George Balanchine

Biografía

George Balanchine, nacido Georgi Melitonovitch Balanchivadze en St. Petersburgo, Rusia, está considerado como el coreógrafo contemporáneo más importante del mundo del ballet. A la edad de nueve años, fue aceptado en la sección de ballet de St. La rigurosa Escuela de Teatro Imperial de Petersburgo, y, junto con otros jóvenes estudiantes, pronto apareció en el escenario del famoso Teatro Maryinsky en espectáculos como La Bella Durmiente (su favorito). Se graduó con honores en 1921 y se unió al cuerpo de ballet del Maryinsky, para entonces rebautizado como Teatro Estatal de Ópera y Ballet.

Hijo de un compositor, Balanchine adquirió un conocimiento de la música temprano en la vida que superó con creces el de la mayoría de sus compañeros coreógrafos. Comenzó las clases de piano a las cinco, y en algún momento entre 1919 y 1921, mientras continuaba bailando, se matriculó en el Conservatorio de Música de Petrogrado. Allí estudió piano y teoría musical, incluyendo composición, armonía y contrapunto, durante tres años, y comenzó a componer música. (En la agitación de la Revolución Rusa, cuando el dinero no valía nada, a veces tocaba el piano en cabarets y cines mudos a cambio de pan.) Una formación musical tan extensa hizo posible que Balanchine como coreógrafo se comunicara con un compositor de la talla de Stravinsky; también le dio la capacidad de hacer reducciones de piano de partituras orquestales, una ayuda invaluable para traducir la música en danza.

Balanchine comenzó a coreografiar cuando todavía era adolescente, creando su primer trabajo en 1920 o antes. Era un pas de deux llamado La Nuit, para él y una estudiante, a la música de Anton Rubinstein. Otro de sus primeros dúos, Enigma, bailado con los pies descalzos, se representó una vez en beneficio en el escenario del Teatro Estatal, así como durante algunos años después, tanto en Petrogrado/Leningrado como en Occidente. En 1923, él y algunos de sus colegas formaron una pequeña compañía, el Ballet Joven, para la que compuso varias obras en línea experimental, pero las autoridades desaprobaron, y los artistas fueron amenazados con la destitución si continuaban participando. Luego, fatídicamente, en el verano de 1924, Balanchine y otros tres bailarines pudieron salir de la recién formada Unión Soviética para una gira por Europa Occidental. No regresaron. Con Balanchine estaban Tamara Geva, Alexandra Danilova y Nicholas Efimov, todos los cuales más tarde se hicieron bien conocidos en Occidente. Vistos actuando en Londres, los bailarines fueron invitados por el empresario Serge Diaghilev a una audición para sus renombrados Ballets Rusos y fueron llevados a la compañía.

Diaghilev también tenía sus ojos puestos en Balanchine como coreógrafo y, con la salida de Bronislava Nijinska, lo contrató como maestro de ballet (coreógrafo principal). El primer esfuerzo sustantivo de Balanchine fue L’Enfant et les Sortilèges (1925) de Ravel, el primero de los cuatro tratamientos que haría de esta maravillosa partitura a lo largo de los años. Llegó una reelaboración de Le Chant du Rossignol de Stravinsky, en la que Alicia Markova, de 14 años, hizo su debut teatral. Desde ese momento hasta 1929, cuando los Ballets Rusos colapsaron con la muerte de Diaghilev, Balanchine creó nueve ballets más (además de numerosas piezas más leves), incluidos el inmortal Apolon Musagète (1928) y Prodigal Son (1929). Durante este período, Balanchine sufrió una lesión grave en la rodilla. Esto limitó su baile y puede haber reforzado su compromiso con la coreografía a tiempo completo.

Apolo Musageta 1928 estreno de Los Ballet Russes de Diaghilev

 

Los años siguientes fueron inciertos. Balanchine estaba haciendo una película con la ex bailarina de Diaghilev Lydia Lopokova (la esposa del economista británico John Maynard Keynes) cuando se enteró de la muerte de Diaghilev. Pronto comenzó a montar bailes para la popular revista británica Cochran Revues; actuó como maestro de ballet invitado para el Royal Danish Ballet en Copenhague; y fue contratado por su fundador René Blum como maestro de ballet para un nuevo Ballets Russes, los Ballets Russes de Monte Carlo, para los que coreografió tres ballets en torno a los talentos de la joven Tamara Toumanova-Cotillon, La Concurrence y Le Bourgeois Gentilhomme.

Dejando los Ballets Rusos (tal vez debido a la presencia agresiva del coronel W. de Basil, que pronto le quitó la compañía a René Blum), Balanchine formó Les Ballets 1933, con Boris Kochno, el último secretario privado de Diaghilev, como asesor artístico y el respaldo de la socialite británica Edward James. Para la primera y única temporada de la compañía, creó seis nuevos ballets, en colaboración con figuras artísticas líderes como Bertolt Brecht y Kurt Weill (Los siete pecados capitales), el artista Pavel Tchelitchew (Errante) y los compositores Darius Milhaud (Les Songes) y Henri Sauget (Fastes). Pero la compañía se disolvió en cuestión de meses. Sin embargo, fue durante su compromiso con Londres que se produjo una reunión que cambiaría la historia de la danza del siglo XX.

El joven mecenas estadounidense Lincoln Kirstein (1907-1996), criado en Boston y graduado de la Universidad de Harvard, albergaba un sueño: establecer una compañía de ballet en Estados Unidos, llena de bailarines estadounidenses y no dependiente del repertorio de Europa. A través de Romola Nijinsky, a quien Kirstein había ayudado a escribir una biografía de su marido, conoció a Balanchine después de una actuación de Les Ballets en 1933 y esbozó su visión. Balanchine era esencial para ello. Decidiendo rápidamente a favor de un nuevo comienzo, Balanchine aceptó venir a los Estados Unidos y llegó a Nueva York en octubre de 1933. «Pero primero, una escuela», se dice que dijo.

Kirstein estaba preparado para apoyar la idea, y el primer producto de su colaboración fue de hecho una escuela, la Escuela de Ballet Americano, fundada en 1934 con la asistencia de Edward M.M. Warburg, un colega de Harvard. (Las primeras clases se celebraron el 2 de enero). La Escuela sigue funcionando hasta el día de hoy, capacitando bailarines para el Ballet de la Ciudad de Nueva York y compañías de todo el mundo. El primer ballet Balanchine coreografiado en Estados Unidos – Serenata, a Tschaikovsky – fue creado para estudiantes de la Escuela y tuvo su estreno mundial al aire libre en la casa de verano de Warburg cerca de White Plains, Nueva York, en 1934. En un año, Balanchine y Kirstein habían creado una compañía profesional, el Ballet Americano, que hizo su debut en el Teatro Adelphi, Nueva York, en marzo de 1935. Después de un puñado de actuaciones de verano, una gira proyectada se derrumbó, pero la compañía permaneció unida como la compañía de ballet residente en la Ópera Metropolitana. Sin embargo, Balanchine no tenía interés en coreografiar bailes de ópera, y el Met tenía poco interés en promover la causa del ballet; en los tres años del Ballet Americano en el Met, a Balanchine se le permitieron solo dos programas de baile. En 1936, montó una versión de danza-drama de Orfeo y Eurydice de Gluck, controvertida en el sentido de que los cantantes fueron relegados al pozo mientras los bailarines reclamaban el escenario. El segundo programa, en 1937, estaba, proféticamente, dedicado a Stravinsky: un renacimiento de Apolo más dos nuevas obras, Le Baiser de la Fée y Card Game. Fue el primero de los tres festivales que Balanchine dedicó a Stravinsky a lo largo de los años.

La colaboración de cincuenta años de estos dos gigantes creativos es única en el siglo XX. La descripción de Stravinsky de su trabajo conjunto en Balustrade en 1940 es implícitamente una descripción de su visión compartida. Escribió: «Balanchine compuso la coreografía mientras escuchaba mi grabación, y en realidad pude observarlo concibiendo gestos, movimiento, combinaciones y composición. El resultado fue una serie de diálogos perfectamente complementarios y coordinados con los diálogos de la música». (En 1972, Balanchine coreografió un nuevo ballet con la misma partitura, Stravinsky Violin Concerto).

La asociación del Ballet Americano con el Met llegó a su fin en 1938 y Balanchine llevó a varios de sus bailarines a Hollywood. En 1941, él y Kirstein reunieron otra compañía clásica, American Ballet Caravan, para una gira de buena voluntad de cinco meses por Sudamérica. En el repertorio había dos nuevas obras importantes de Balanchine, Concerto Barocco y Ballet Imperial (más tarde rebautizado Concierto para piano Tschaikovsky No. 2). Pero después de la gira, esta compañía también se disolvió, y los bailarines se vieron obligados a encontrar trabajo en otro lugar. Entre 1944 y 1946 Balanchine se comprometió a revitalizar el Ballet Ruso de Monte Carlo de Sergei Denham después de la partida de Massine. Allí coreografió Danses Concertantes (1944), Raymonda y Night Shadow (más tarde llamada La Sonnambula, ambas en 1946), mientras revivió Concerto Barocco, Le Baiser de la Fée, Serenade, Ballet Imperial y Card Party (rebautizado Jeu de Cartes). Muchas de las primeras obras más importantes de Balanchine fueron presentadas a América en general por el Ballet Russe, que recorrió todo el país durante nueve meses del año.

En 1946 Balanchine y Kirstein formaron Ballet Society, presentando a pequeñas audiencias solo por suscripción de Nueva York obras nuevas de Balanchine como Los cuatro temperamentos (1946) y Orfeo (1948). Con la fuerza de Orpheus, elogiado como uno de los principales eventos culturales del año de Nueva York, Morton Baum, presidente del Comité Ejecutivo del Centro de Música y Drama de la Ciudad de Nueva York, invitó a la compañía a unirse al City Center (del que la Compañía Dramática de la Ciudad de Nueva York y la Ópera de la Ciudad de Nueva York ya formaban parte Con la actuación del 11 de octubre de 1948, que consiste en el Concierto Barroco, Orfeo y la Sinfonía en Do (creado para el Ballet de la Ópera de París como Le Palais de Cristal el año anterior), nació el Ballet de la Ciudad de Nueva York. Los talentos de Balanchine por fin habían encontrado un hogar permanente.

Desde ese momento hasta su muerte en 1983, Balanchine se desempeñó como maestro de ballet para el Ballet de la Ciudad de Nueva York, coreografiando la mayoría de las producciones que la Compañía ha introducido desde su creación hasta la actualidad. Un catálogo autorizado de la producción de Balanchine enumera 425 obras, comenzando con La Nuit y terminando con Variations for Orchestra (1982), un solo para Suzanne Farrell. En el medio, creó un cuerpo de trabajo tan extenso como diverso. Entre sus ballets notables se encontraban Firebird y Bourrée Fantasque (1949; Firebird reposó con Jerome Robbins en 1970); La Valse (1951); Scotch Symphony (1952); The Nutcracker (su primer trabajo de larga duración para la compañía), Western Symphony e Ivesiana (1954); Allegro Brillante (1956); (1970). En junio de 1972, Balanchine organizó una intensa celebración de Stravinsky durante una semana. De las veintiuna nuevas obras presentadas durante el festival, ocho fueron de Balanchine, incluidas cuatro principales, Stravinsky Violin Concerto, Duo Concertant, Symphony in Three Movements y Divertimento de «Le Baiser de la Fée». La respuesta al Festival Stravinsky por parte de la crítica y el público fue abrumadora.

En 1975, Balanchine organizó un segundo Festival de Ballet de la Ciudad de Nueva York, esta vez un homenaje de tres semanas a Ravel. Esta celebración produjo dieciséis nuevas obras de varios coreógrafos, incluidos Tzigane de Balanchine, Le Tombeau de Couperin y Sonatine.

Durante los siguientes siete años, Balanchine agregó más de una docena de obras al repertorio del Ballet de la Ciudad de Nueva York. Primero vino Union Jack (1976), observando a los EE. UU. Bicentenario en honor a Gran Bretaña, seguido de los lujosos vals de Viena (1977). Ballo della Regina y Kammermusik No. 2 fueron coreografiados en 1978, Ballade, «Davidsbündlertänze» de Robert Schumann y Walpurgisnacht Ballet en 1980. La última obra importante de Balanchine, una nueva versión de Mozartiana (un ballet coreografiado originalmente para Les Ballets 1933), fue creada para el Festival Tschaikovsky de 1981. En 1982 dirigió la Celebración del Centenario de Stravinsky, pero para entonces estaba enfermo terminal.

Aunque es para la coreografía de ballet que es más conocido, Balanchine también trabajó en teatro musical y películas. En Broadway, creó bailes para Ziegfeld Follies de 1936 y On Your Toes, incluyendo el innovador ballet «Slaughter on Tenth Avenue» (1936);Babes in Arms (1937); I Married an Angel and The Boys from Syracuse (1938); Louisiana Purchase and Cabin in the Sky, co-coreografiado con Katherine Dunham (1940); The Merry Widow (1943); y Where’s Charley? (1948), entre otros. Sus créditos cinematográficos incluyen The Goldwyn Follies, con su famoso ballet «nfa de agua» (1938); I Was an Adventuress (1940); y Star Spangled Rhythm (1942). Todas protagonizadas por Vera Zorina.

Abrazando la televisión, Balanchine escenificó muchos de sus ballets (o extractos) y creó nuevos trabajos especialmente para el medio: en 1962, colaboró con Stravinsky en Noah and the Flood y en 1981 rediseñó su puesta en escena de 1975 de L’Enfant et les Sortilèges para incluir una amplia gama de efectos especiales, incluida la animación. A través de la televisión, millones de personas han podido ver el Ballet de la Ciudad de Nueva York. «Choreography by Balanchine», una presentación de cinco partes de «Dance in America» en la serie de PBS «Great Performances», comenzó en diciembre de 1977. Los programas incluyeron Los Cuatro Temperamentos, Hijo Pródigo, Concierto para Violín Stravinsky, Chaconne y segmentos de Joyas, entre varios otros. La mayoría ahora están disponibles en vídeo. Balanchine viajó a Nashville con la Compañía para las grabaciones en 1977 y 1978 y supervisó personalmente cada toma, en algunos casos revisando pasos o ángulos para una mayor efectividad en la pantalla. La serie fue ampliamente aplaudida por críticos y audiencias de todo el país y fue nominada a un premio Emmy. En enero de 1978, el Ballet de la Ciudad de Nueva York participó en la aclamada serie de PBS «Live from Lincoln Center», cuando Coppelia, coreografiada por Balanchine y Alexandra Danilova en 1974, fue transmitida en vivo desde el escenario del Teatro del Estado de Nueva York. Ocho años más tarde, la compañía apareció en otro programa «Live from Lincoln Center», interpretando A Midsummer Night’s Dream de Balanchine. Apolo, Orfeo, Mozartiana y ¿A quién le importa? se encuentran entre otros ballets balanchinos que se ven en la televisión nacional.

En 1970, U.S.News and World Report intentó resumir los logros de Balanchine: «El mayor coreógrafo de nuestro tiempo, George Balanchine, es responsable de la fusión exitosa de conceptos modernos con ideas más antiguas del ballet clásico. Balanchine recibió su formación en Rusia antes de venir a Estados Unidos en 1933. Aquí, las formas de danza estadounidenses que fluyen libremente lo estimularon a desarrollar nuevas técnicas en diseño y presentación de danza, que han alterado el pensamiento del mundo de la danza.

A menudo trabajando con música moderna y el más simple de los temas, ha creado ballets que se celebran por su imaginación y originalidad. Su compañía, el Ballet de la Ciudad de Nueva York, es el principal grupo de danza de los Estados Unidos y una de las grandes compañías del mundo. Una parte esencial del éxito del grupo de Balanchine ha sido la formación de sus bailarines, que ha supervisado desde la fundación de su Escuela de Ballet Americano en 1934. Balanchine eligió dar forma al talento localmente, y ha dicho que la estructura básica del bailarín estadounidense fue responsable de inspirar algunas de las líneas llamativas de sus composiciones. Balanchine no solo está dotado de crear producciones completamente nuevas, . . . su coreografía para obras clásicas ha sido igualmente fresca e inventiva. Ha hecho de la danza estadounidense el desarrollo coreográfico más avanzado y rico del mundo de hoy».

El propio Balanchine escribió: «Primero debemos darnos cuenta de que el baile es un arte absolutamente independiente, no simplemente secundario que lo acompaña. Creo que es una de las grandes artes… Lo importante en el ballet es el movimiento en sí. Un ballet puede contener una historia, pero el espectáculo visual… es el elemento esencial. El coreógrafo y el bailarín deben recordar que llegan al público a través del ojo. Es la ilusión creada lo que convence al público, al igual que con el trabajo de un mago». Balanchine siempre prefirió llamarse a sí mismo un artesano en lugar de un creador, comparándose con un cocinero o ebanista (ambos pasatiempos suyos), y tenía una reputación en todo el mundo del baile por la forma tranquila y recogida en que trabajaba con sus bailarines y colegas.

A medida que su reputación creció, recibió mucho reconocimiento oficial. En la primavera de 1975, el Salón de la Fama del Entretenimiento en Hollywood incluyó a Balanchine como miembro, en un especial televisado a nivel nacional de Gene Kelly. El primer coreógrafo tan honrado, se unió a las filas de luminarias de espectáculos como Fred Astaire, Walt Disney y Bob Hope. El mismo año, recibió la Légion d’Honneur francesa. En 1978, fue uno de los cinco receptores (con Marian Anderson, Fred Astaire, Richard Rodgers y Artur Rubinstein) de los primeros Honores del Centro Kennedy, presentados por el presidente Jimmy Carter. También fue presentado con una caballería de la Orden de Dannebrog, Primera Clase, por la reina Margarita II de Dinamarca. En 1980, Balanchine fue honrado por la Sociedad Nacional de Artes y Letras con su premio Medalla de Oro, el gobierno austriaco con su Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y las Letras, Primera Clase, y por el Capítulo de Nueva York de la Asociación Americana del Corazón con su premio «Corazón de Nueva York». Estos se unieron a elogios anteriores como el Comandante francés de la condecoración de la Orden de las Artes y las Letras y el premio del Instituto Nacional de Artes y Letras por el Servicio Distinguido a las Artes. El último premio importante que Balanchine recibió, en ausencia, fue la Medalla Presidencial de la Libertad en 1983, el honor más alto que se puede conferir a un civil en los Estados Unidos. En ese momento, el presidente Ronald Reagan elogió el genio de Balanchine, diciendo que «ha inspirado a millones con su coreografía escénica… y ha sorprendido a una población diversa a través de sus talentos». Poco después, el 30 de abril de 1983, George Balanchine murió en Nueva York a la edad de 79 años.

Clement Crisp, uno de los muchos escritores que elogió a Balanchine, evaluó su contribución: «Es difícil pensar en el mundo del ballet sin la colosal presencia de George Balanchine… Ahora se ha ido y, como dijo Lincoln Kirstein en su breve e infinitamente acertado discurso de cortina, ‘Sr. B. está con Mozart y Chaikovski y Stravinsky». Pero no hemos perdido Balanchine, no el Balanchine esencial, que vive en el gran catálogo de obras maestras que tanto han moldeado y refinado nuestra comprensión del ballet y nos han dado una vida emocionante. Y no estamos exentos del otro hecho esencial de su trabajo: su Escuela y el sistema de formación que ha ajustado los cuerpos estadounidenses como el medio clásico ideal para su visión clásica ideal. Nunca podremos estar sin Balanchine. Es tan central para la danza de la escuela en nuestro siglo, tan seguramente su fuerza rectora, que el dolor se convierte en mera indulgencia consigo mismo. La gratitud y la alegría deben ser nuestro sentimiento por lo que nos dio, y la determinación de que su trabajo e ideales sean honrados y preservados y utilizados para iluminar el futuro del ballet».

Fuente: Balanchine Foundation

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*Fuente Balanchine.com

Por Octavio Roca*

La danza estadounidense, una tradición en evolución constante​

“El ballet es como una rosa”, dijo una vez George Balanchine. “Es algo hermoso y uno lo admira, pero no pregunta qué significa”. En el jardín colorido de la danza del siglo XX, Balanchine, quien había nacido y estudiado baile en Rusia, cultivó la rosa estadounidense: exuberante, brillante, optimista y triunfante. Revolucionó el ballet para todos los tiempos, cambió el significado del clasicismo, fomentó la velocidad y el atletismo que encontró en el Nuevo Mundo, e hizo de estas cualidades una parte integral de la naturaleza misma de la belleza en movimiento.

Hace más de un siglo Petipa llevó el estilo de ballet francés a Rusia y lo transformó en lo que conocemos como el ballet clásico. En Estados Unidos, en el siglo XX, fue necesario un ambiente de apertura hacia el cambio para nutrir el genio de George Balanchine y llevó toda una vida de danza volver a cambiar el ballet clásico, para crear un ballet estadounidense. No obstante, Balanchine rehuyó el brillo y trabajó conscientemente contra el virtuosismo estelar que distinguía el estilo de Petipa. Distorsionó deliberadamente el estilo clásico aún cuando revitalizó su tradición.

Al igual que Petipa, a Balanchine le gustaban los diseños geométricos cambiantes y cultivaba su complejidad con insistencia obstinada. Absorbía la libertad rítmica del jazz estadounidense y hacía que el cuerpo del bailarín la reflejara. Hasta hoy, los bailarines de Balanchine danzan con los pies flexionados casi con tanta frecuencia como lo hacen de punta, las caderas sueltas y salientes, estiradas imposiblemente altas, posiciones hacia adentro y soluciones inesperadas de movimiento que súbitamente dan sentido a toda una composición musical. El estilo viviente que creó Balanchine está impregnado de lógica musical y cinética: el sentido de conexión de frase a frase, la ausencia milagrosa de preparación y la virtual explosión de movimiento cuando surge, la integración total de la música y la danza. El hombre creó obras para cada clase de escenario, desde el Circo Ringling Brothers, desde los espectáculos de Broadway y el Teatro de Ballet Estadounidense hasta su propio Ballet de la Ciudad de Nueva York.

La tradición del neoclasicismo estadounidense que inició Balanchine es una exuberante obra en construcción, mucha de la cual es realizada hoy por musas convertidas en maestros de ballet. Peter Martins, el sucesor escogido personalmente por el propio Balanchine en el Ballet de la Ciudad de Nueva York, es quizá el principal guardián del neoclasicismo y sigue deleitando con nuevas piezas de ballet que revelan posibilidades ocultas dentro de la sintaxis y velocidad del estilo estadounidense. Helgi Tomasson, el bailarín de Balanchine más sublime de su generación, es el director artístico del Ballet de San Francisco y supervisa uno de los repertorios neoclásicos más excitantes en cualquier parte.

Tanto en el Ballet de la Ciudad de Nueva York como en el Ballet de San Francisco, el joven Christopher Wheeldon está al frente de una nueva generación de coreógrafos que crean nuevas obras válidas que están expandiendo la definición del ballet estadounidense. Arthur Mitchell ha venido haciendo sus propios milagros en Manhattan como fundador y director del Teatro de Danza de Harlem. Edward Villella está reproduciendo y avanzando sobre la base del sensual estilo de Balanchine en su Ballet de la Ciudad de Miami. La ardiente Suzanne Farrell ha creado su propio Ballet Suzanne Farrell en el Centro John F. Kennedy de Artes Interpretativas en Washington. Ninguno de nuestros grupos se parece al otro, y ni siquiera el Ballet de la Ciudad de Nueva York se parece al recuerdo que tienen de él sus viejos admiradores. De manera que sigue el baile.

Ese es el legado de Balanchine, y es parte de nuestro pasado. Pero algo tan irrecuperable como el pasado no puede frenar algo tan promisorio como el futuro. El regalo más grande que nos hizo Balanchine bien podría ser el de la revelación de las posibilidades interminables del ballet estadounidense.

Choreographer Antony Tudor, 1965. Photo by Jack Mitchell/Getty Images.

La danza como teatro

Estas posibilidades, desde luego, van más allá del neoclasicismo. Fue otro inmigrante, Antony Tudor, quien cambió de la manera más drástica el rostro de la danza estadounidense al inyectar una dosis de verdad emocional a la fórmula del ballet sinfónico del siglo XIX, agregando profundidad e impacto teatral a la narrativa europea de la tradición del baile.

El Teatro del Ballet Estadounidense, base del desaparecido Tudor y en la actualidad de la Compañía Nacional de Estados Unidos, sigue en el siglo XXI una tradición de piezas dramáticas de ballet que son recordatorios emocionantes de la inmediatez, de la vitalidad, de esta forma de arte. El Otelo de Lar Lubovitch, coreografiado para el Teatro de Ballet Estadounidense y para el Ballet de San Francisco, es la más ambiciosa y exitosa de las obras de ballet recientes, pero hubo muchas de costa a costa que prueban que el ballet estadounidense es mucho más que pasos neoclásicos: el repertorio revitalizado del Ballet Joffrey de Chicago, de Gerald Arpino; el Ballet de Houston, de Stanton Welch, y el Ballet de Boston de Mikko Nissinen; la continuada exploración del ballet de la experiencia afroestadounidense por el Teatro de Danza Estadounidense Alvin Ailey bajo la dirección de Judith Jamison; obras tan diversas como Magrittomania de Yuri Possokhov, Blue Suede Shoes de Dennis Nahat, el picaresco Ballet de Navidad de Michael Smuin. Si el ballet estadounidense presenta un panorama variado y colorido, la danza moderna estadounidense ofrece un verdadero caleidoscopio de posibilidades en el nuevo siglo. La Compañía de Danza Merce Cunningham unió fuerzas primero con John Cage en 1953 para declarar la independencia tanto de la música como de la danza de cualquier restricción que no fuera la de la mente humana.

Paul Taylor ya no es más el chico nuevo en el barrio, pero este gran coreógrafo estadounidense viviente y su Compañía de Danza Paul Taylor siguen desafiando y entreteniendo con la originalidad de obras nuevas así como con la profundidad que da el tiempo a resurrecciones constantes de lo que ya son clásicos de la danza moderna: Eventide, Company B, Esplanade, Black Tuesday y muchas más.

El Grupo de Danza Mark Morris, que al igual que la compañía de Taylor tiene temporadas regulares en Estados Unidos y frecuentes giras por el extranjero, combina el afecto por la tradición clásica con la libertad picaresca de sonreír y dictar sus propias reglas: la irreverencia y una dulzura encantadora se mezclan con la musicalidad exquisita en la coreografía de Morris, que vuelve al clasicismo con ganas mientras infunde a los pasos de un espíritu alborotadoramente contemporáneo. Morris es un clasicista con el corazón de un verdadero populista.

Retorno al significado

Pero donde la danza moderna atraviesa su evolución más original es quizás en la costa occidental de Estados Unidos, con el gusto particular de las artes del arco del Pacífico. Patrick Makuakane, quien trabaja en San Francisco y Los Angeles, revoluciona el mundo de la danza hawaiana y redefine el significado del arte popular conocido, como hula, con su compañía única, Na Lei Hulu I Ka Wekiu. Su obra proclama la universalidad de la cultura hawaiana incluso mientras mezcla hula con los ritmos contemporáneos en un frenesí multicultural vertiginoso.

También en San Francisco, la Compañía de Danza China Lily Cai crea una mezcla únicamente estadounidense de imágenes tradicionales del escenario chino, arte popular internacional y la vanguardia de la danza posmoderna. La hermosa compañía Cai, de elenco exclusivamente femenino, también ofrece un deseo resuelto de entretener, incluso mientras el coreógrafo nutre sutilmente un nuevo idioma de la danza que surge como una fusión chinoestadounidense radicalmente nueva.

Alvin Ailey Divining

La experiencia afroestadounidense, expresada gloriosamente en la danza por los pioneros que van desde Alvin Ailey hasta los más recientes Bill T. Jones y David Rousseve, tiene en la actualidad su proponente más juvenil y original en Robert Moses. Su compañía de la costa occidental, Robert Moses’ Kin, mezcla jazz, blues y rap, poesía y expresiones callejeras, movimientos casuales y una rigurosa sintaxis posmoderna en sus nuevas obras — incluidas Never Solo y la magistral Word of Mouth — que resultan en una estampa de la vida afroestadounidense, un mensaje de la danza universal y, quizás, por encima de todo, en una experiencia teatral apasionante.

Margaret Jenkins, discípula de Merce Cunningham, hace que la danza refleje la coincidencia y la desunión, los choques violentos y las pausas súbitas que caracterizan mucho de la vida moderna: su Compañía de Danza Margaret Jenkins es una fuerza sísmica en la danza de vanguardia estadounidense.

Difícil de clasificar pero imposible de pasar por alto, el californiano Joe Goode crea danzas que exploran y con frecuencia explotan los valores primarios y míticos de la región central de Estados Unidos. Es auténtico, nunca aburrido, siempre sorprendente y completamente original, y su obra sumamente teatral es profundamente personal, con una verdad universal. Con su Grupo Interpretativo Joe Goode, el coreógrafo de San Francisco vuelve borrosas las fronteras del teatro y de la danza mientras enriquece ambos campos con una indiferencia irresistible. En su épica del milenio profundamente conmovedora, The Maverick Strain, la ironía da paso a la emoción, el movimiento al éxtasis, la nostalgia a la esperanza.

Parte de la danza moderna más original en cualquier parte es la que crea “The Foundry,” grupo colectivo de danza fundado por Alex Ketley y Christian Burns, cuyas actuaciones electrizantes y uso teatral de técnicas de video de vanguardia contienen mucho que es nuevo y aún más que es audaz. Quizás lo mejor respecto a la obra de Burns y Ketley es la convicción plasmada en su proyecto: la abstracción reverenciada por sí misma de Cunningham ha quedado atrás como una estética gloriosa del siglo XX y, en los albores del XXI, la danza está regresando al significado, a los temas importantes, al drama y a la musicalidad, así como al virtuosismo técnico renovado. The Foundry está a la vanguardia de la danza estadounidense.

Redefinición de la danza

La danza en Estados Unidos en la actualidad es única. Se puede decir con seguridad que del ballet clásico y neoclásico a las fronteras de la danza moderna, no hay nada como el Ballet de la Ciudad de Nueva York, el Teatro de Ballet Estadounidense o la Compañía de Danza Paul Taylor, como la Compañía de Danza Margaret Jenkins o el Grupo Interpretativo Joe Goode, como Robert Moses’ Kin o The Foundry. Estos son sólo algunos de los mejores ejemplos, pero se pueden citar más: la brillante sátira de baile de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo y las íntimas joyas de la Compañía de Danza Lawrence Pech, la sensualidad vibrante del Ballet Hispánico de Nueva York, la energía de rock-and-roll del Ballet de San José y la elegancia vistosa del Ballet Smuin. Los estadounidenses jóvenes están desafiando y redefiniendo nuestra definición de la danza.

La danza en Estados Unidos es una forma de arte caleidoscópica que refleja una cultura multifacética de enorme variedad. Danza tras danza se presenta como los muchos reflejos de un espejo viviente, con luces que se suman para formar una constelación de optimismo. La danza de Estados Unidos refleja la vida estadounidense.

* Octavio Roca es el crítico principal de danza del San Francisco Chronicle y ha sido crítico de teatro, música y danza de the Washington Post, the Washington Times, y de la cadena CBC-Radio Canada. Roca es autor de Scotto: More Than a Diva, y también ha traducido varias obras para el escenario, incluidas La Coronación de Popea, Orfeo y Eurídice, La Historia del Soldado y Nuestro Amigo Fritz. Colaboró con la compositora Lucia Hwong en la cantata El Ritmo Incierto de tu Pulso, que fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Mujeres de San Francisco en 1993.

Fuente: © 2011 Danza Ballet